El Contador de Películas

Hija de un matrimonio chino-americano, el cine tocó la puerta de Wong Liu-Tsong desde temprana edad. Siendo una niña comenzó a soñar con Hollywood, y en su adolescencia logró sus primeros papeles bajo el nombre de Anna May Wong. Sin embargo, pese a sus actitudes excepcionales para convertirse en estrella, la industria solo reservó para ella los clichés propios del racismo de la primera mitad del siglo XX.

Es un viejo cliché del cine decir que los lugares pueden ser tan protagónicos como los actores. Si bien en todo el mundo existen películas ambientadas en casas, en las historias del cine chileno, esa construcción está mirada de una manera muy única.

El 29 de marzo de 2024 falleció Louis Gossett Jr, el primer afroamericano en ganar un Oscar como Mejor Actor Secundario por su papel en “Reto al destino”. Sin embargo, hay otra cinta en la que tuvo una destacadísima actuación: “Diggstown”, una historia de estafadores y boxeo, una gran burla a la moral de la saga “Rocky”.

“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” cumplió 20 años. La cinta, protagonizada por Jim Carrey y Kate Winslet, se ha transformado en un “artefacto cultural” emblemático de la primera década del siglo XXI. ¿Pero de dónde viene la idea de borrar los recuerdos de una persona? ¿Cómo surge el concepto matriz de la película de Michel Gondry?

Uno de los cineastas asiáticos más originales de nuestro tiempo acaba de lanzar su nuevo trabajo, y es un increíble corto promocional del iPhone 15 Pro. Takashi Miike ha sabido, como pocos, transitar rápidamente entre distintos géneros, dirigiendo 73 películas para cine entre 1995 y 2023. Producciones atrevidas y “licenciosas” que llevaron a Alejandro Jodorowsky a calificarlo como “el tipo más enfermo que he conocido”.

En 1940, Hattie McDaniel se transformó en la primera mujer afroamericana en ganar un Oscar. Lo hizo como Mejor Actriz Secundaria por su papel en “Lo que el viento se llevó” (1939). Sin embargo, era la época de la segregación en los Estados Unidos y no fueron pocos los obstáculos y cuestionamientos que enfrentó. Esta es su historia.

No es un premio más, ni una estatuilla cualquiera: la Academia no lo permitiría. Por eso, desde 1950 quienes reciben un Oscar se comprometen a ofrecerlo primero a quien los entrega si es que necesitan venderlo. ¿Qué pasa con quienes no firmaron ese acuerdo? Y, especialmente, ¿cuánto puede llegar a pagarse por uno de estos trofeos?

A los 91 años, murió Pedro Chaskel. Además de ser el hombre que grabó el bombardeo a la Moneda, tuvo una extensa carrera como director, montajista, productor y profesor. Su última película, titulada “De vida y de muerte: Testimonios de la Operación Cóndor” fue estrenada en 2015. Pero ya en 1971 tuvo su primer acercamiento a los orígenes del tenebroso mundo de la Operación Cóndor con “No es hora de llorar”.

Debía ser un espectáculo que atrajera las miradas del público, tan esquivas en años anteriores. Pero el show diseñado por Allan Carr, hasta entonces un exitoso productor en Hollywood, desató las más airadas respuestas de las propias estrellas de la pantalla grande y sepultó su propia carrera en la industria. Todo eso, a pesar que algunas de sus innovaciones se mantienen como marca de los premios Oscar.

Por años, una serie de reglas escritas y no escritas indicaban cómo promocionar una película para conseguir votos en los premios Oscar. Pero en la 71ª edición, celebrada en marzo de 1999, la ambición de un afamado productor rompió con esa costumbre en aras de obtener su propia estatuilla. La apuesta le sirvió, pero desde entonces el marketing en Hollywood es un verdadero campo de batalla.

Estén en el centro de las películas de cine negro. Bien lo dijo Jean-Luc Godard: "todo lo que necesita para dar origen a una película es una pistola y una chica". Misteriosas, cautivantes, y por sobre todo independientes, son un arquetipo de personaje que sigue presente en las películas de la actualidad, aunque con una existencia mucho más rica y compleja que en los orígenes del film noir.

Breaking Bad es una de las series más exitosas de todos los tiempos. La historia es conocida: Un profesor de química es diagnosticado con cáncer y se vuelca a “cocinar” metanfetamina para dejar dinero a su familia, transformándose en un criminal impiadoso. Un personaje crucial en la serie, común y erróneamente despreciado por algunos fanáticos, es el de Skyler White. La esposa del protagonista es una representación de muchas mujeres de la vida real, atrapadas en un laberinto de miedo y agobio.

Dos niños despiertan en mitad de la noche para descubrirse solos en casa, frente a un televisor encendido. “Skinamarink” es una película de terror experimental dirigida por Kyle Edward Ball. Disponible en la plataforma MUBI, la cinta tiene su origen en cortos publicados por el director en su canal de YouTube, inspirado en sus pesadillas o en pesadillas que algunos de sus seguidores le relataban.

Durante su extensa carrera, Martin Scorsese ha explorado una gran variedad de géneros, personajes e historias. En aquel trayecto ha contado con el apoyo de varios colaboradores y colaboradoras, pero ninguna tan gravitante como Thelma Shoonmaker. No solo es la editora de confianza del director, las cintas de Scorsese no serían lo mismo sin ella. Más que una editora, Shoonmaker se transformó en coautora de sus películas.

Esta es la historia de dos películas distantes entre sí, al punto de que sus nombres las separan. En “El Sur”, una niña se enfrenta al misterio del pasado y los secretos de su padre. En “El Norte”, dos hermanos guatemaltecos emprenden un viaje para escapar de la miseria y la violencia. Entre El Norte y El Sur hay mucha distancia, pero también inseparables coincidencias.

Es la noche de año nuevo. Un grupo de ladrones organiza un golpe simultáneo en los 5 casinos más importantes de Las Vegas. “Ocean´s Eleven” (1960) reunió en pantalla a figuras de la talla de Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr, Peter Lawford, (y otros…) Entre noches de fiesta, saunas, citas y shows de variedades, el “Rat Pack” protagonizó la cinta que hizo historia tanto fuera como dentro de la pantalla.

Dirigida por Frank Capra, “Que bello es vivir” (1946) es una de las películas navideñas por excelencia. Cuenta la historia de George Bailey, un hombre honesto y solidario que se dedica a ayudar a quienes más lo necesitan. Sin embargo, arruinado y asediado por el dueño del pueblo, desea nunca haber nacido. Un ángel le concederá aquel ese deseo, que lo llevará descubrir el verdadero carácter de Bedford Falls y sus habitantes.

En diciembre se cumple un nuevo aniversario del estreno de “La Naranja Mecánica” (1971), la obra de Stanley Kubrick que más debates y discusiones ha provocado. Se trata de una adaptación de la novela de Anthony Burguess, que aborda el libre albedrío y el condicionamiento. Sin embargo, Kubrick no fue el primer artista en adaptar la obra del escritor británico.

“Correr el tupido velo” es un libro escrito y publicado por Pilar Donoso en 2009. En él, recopila secciones de los diarios privados de su padre, el escritor José Donoso. Se trata de una serie de escritos que se intercalan con reflexiones y recuerdos de la autora, que dejan entrever la compleja relación del novelista con el cine, a veces frustrada, a ratos insatisfactoria.

A sus 86 años, Ridley Scott acaba de estrenar “Napoleón”, un drama de época sobre el militar y político que alteró para siempre la historia de Francia. Pero no es ni de lejos, el primer cineasta que se fascina con la figura de Napoleón Bonaparte. Desde Abel Gance en 1927, hasta el mismísimo Stanley Kubrick se obsesionaron con el personaje. Y de hecho, el propio Scott debutó con un largometraje ambientado en la Francia napoleónica: "Los duelistas".

¿Cómo se entrelaza la experiencia personal de un actor, con su carrera? En este episodio, Daniel Villalobos repasa los principales papeles de Arnold Schwarzenegger. un actor marcado por la compleja relación con su padre. Roles de padres que fracasan e hijos que demandan protección.

Desde las películas de Bruce Lee, hasta Jackie Chan. Desde Thundercats hasta las Tortugas Ninja. El nunchaku ha sido un arma fundamental en las películas de artes marciales y series animadas. Sin embargo, su carácter llamativo y su peligrosidad llevaron no solo a censurar aquella arma en el cine en muchos países, también obligaron a autoridades a prohibir su fabricación, porte y uso. Esta es la historia del nunchaku en la pantalla (y en la vida real).

¿Cómo se ha usado la tecnología a lo largo de la historia del cine? ¿Es posible reemplazar a actores y actrices con inteligencia artificial? Ese es uno de los asuntos que se pusieron sobre la mesa en una de las huelgas más extensas de la historia de Hollywood. Pero el tema de fondo no es exclusivo de nuestros tiempos, viene desde el mismo momento en que el cine se convirtió en industria.

Odiada por algunos y aclamada por muchos, “Friends” es la sitcom que definió a una generación. Pero hay un capítulo que llevó a los “amigos” a tomar contacto con dos conceptos tabúes en las comedias de los 90: la soledad y la muerte. En “Ese donde muere Heckles”, Chandler entiende que es un personaje dentro de la serie, una caricatura dentro de un grupo de caricaturas. Mientras tanto, en la vida real, Matthew Perry luchaba contra las adicciones.

Durante semanas circularon por redes sociales las imágenes del increíble show de U2 en “La Esfera” de Las Vegas. Pero mucho antes, hace 35 años, otro impresionante concierto de la banda fue registrado en el documental “Rattle and Hum”. Filmado por Phil Joanou, la película se estrenó en más de 1.400 salas y recaudó 3,8 millones de dólares en sus primeras semanas. Sin embargo, la carrera de Joanou nunca terminó de despegar.

Kill Bill está llena de guiños a otras películas, pero la referencia a “Shogun Assassin” es una de las más oscuras y al mismo tiempo una de las que mejor funcionan a la hora de conectar la fábula vengadora de Tarantino con el cine asiático. Se trata de una rareza cinematográfica que deriva del extraño ensamblaje de dos películas japonesas protagonizadas por el mismo personaje. Esta es la historia.

Alton, Texas. La mañana del 21 de septiembre de 1989, un bus escolar fue embestido por un camión de Coca-Cola. 21 niños murieron. Tras el accidente, una horda de abogados comenzó a rondar a las familias de las víctimas, prometiendo fortunas y esgrimiendo una cruel mentira: que la muerte de esos niños podía repararse a través de un juicio. La historia inspiró una de las joyas de la cinematografía canadiense: “El Dulce Porvenir”.

“F for fake” fue la última película de Orson Welles, “el director maldito”, “el rebelde incapaz de doblegarse al sistema”, o “el genio tan innovador que se ganó el exilio de Hollywood”. Clichés incompletos para uno de los cineastas más importantes de la historia.

A los 82 años falleció el actor británico que dio vida a Dumbledore en “Harry Potter”. Pero más allá del director de Hogwarts, la carrera de Michael Gambon estuvo marcada por actuaciones ilustres como el papel de villano corporativo en “El Informante” (1999) y, quizás el que fue uno de sus mejores trabajos: el rol de Philip Marlow en la miniserie “El detective cantante” (1986).

Existen muchas películas filmadas en el extranjero sobre la tragedia chilena de septiembre de 1973. Cintas como “El Clavel Negro”, “La Espiral”, “De amor y de sombra”, o “Llueve sobre Santiago” que cuenta con un increíble elenco de renombre mundial y la música – nada menos que – de Astor Piazzolla. Pero tanto o más espectacular es “Noche sobre Chile”, una película soviética de 1977. Esta es su historia.

Este 2023 se cumplieron 60 años de la ejecución de Jorge del Carmen Valenzuela Torres. Su historia dio origen a la película “El Chacal de Nahueltoro”, dirigida por Miguel Littin, considerada referente del “nuevo cine chileno” de los 60, y convertida hoy en un “extraño” emblema de la chilenidad.

"¿Para qué detenerse en las cosas feas del pasado?", dice un personaje: "lo importante es la concordancia y la unión". Es apenas uno de los debates que plantea "No me importa que la historia nos recuerde como bárbaros", largometraje del rumano Radu Jude estrenado en 2018. Porque, ¿cómo se puede opinar sobre el pasado, si no hay consenso sobre lo que ocurrió entonces?

"Nuestros antepasados nos dejaron un camino muy difícil", dice uno de los protagonistas de "La directiva". En este documental de Lorena Giachino vemos los esfuerzos de la Federación de Árbitros de Fútbol Amateur por sobrevivir ante los desafíos modernos, pero también el cariño que motiva a un grupo de personas a buscar acuerdos para seguir adelante. Y especialmente, a cómo desproteger la propia historia nos obliga a volver a vivirla.

“Amnesia” es una película de 1994 que aborda las heridas del pasado, pero que logra retratar como ninguna otra la atmósfera de mediados de los 90. Cuenta la historia de Ramírez (Pedro Vicuña), un soldado atormentado por sus vivencias en un centro de detención de la dictadura, que se encuentra con el superior que le ordenó asesinar a inocentes (Julio Jung). Junto a Carrasco (José Secall), un ex prisionero del campamento, urdirán la venganza.

En los oscuros años 80, María Romero aparecía cada semana en el set del noticiario de la televisión pública. En una sección que no superaba los 4 minutos, comentaba los últimos estrenos cinematográficos. Su rostro pronto se hizo conocido, aunque su trayectoria se arrastraba desde fines de los años 30: fue directora de la legendaria revista Ecrán e incluso la primera periodista latinoamericana en entrevistar a Marilyn Monroe.

La reseña y la crítica nacieron prácticamente al mismo tiempo que el cine. Sin embargo, hay una diferencia importante entre quienes disfrutan comentando películas y quienes solo gustan de odiar a la gente. Esta es la historia de Rex Reed, un crítico “que vio el futuro”, un “troll” temprano cuya odiosidad superó límites.

Luis Alarcón fue y seguirá siendo una de las glorias del teatro, el cine y la televisión chilena. Cuando las películas se hacían con precariedad y belleza, se transformó en uno de los "tres tristes tigres" de Raúl Ruíz. Su personaje en esa cinta tuvo varios ecos a lo largo de una carrera que atraviesa no solo la historia cultural del país, sino la historia "a secas".

Desde hormigas gigantes, hasta abejas asesinas. Ataques de tiburones o de orcas. El terror animal es uno de los subgéneros más extraños, perversos e indestructibles de la historia del cine; y se expresa en cintas como “Los pájaros”, “Willard” o “Tiburón”.

El 20 de julio de 1973, hace 50 años, murió Bruce Lee. En este episodio, Daniel Villalobos repasa la carrera cinematográfica del legendario exponente de las artes marciales que venció los prejuicios y triunfó en Hollywood. Sin embargo, Lee tenía apenas 32 años cuando murió en Hong Kong, en circunstancias que aún hoy se debaten.

“No tengo el tipo de héroe, con la larga lista de defectos de carácter y errores que he cometido en público”. Lo dice Tony Stark en la escena final de “Iron Man”, y la cita bien puede resumir parte de la historia personal del actor que lo interpreta. Consumo de drogas, escándalos públicos e incluso algunas temporadas en la cárcel transformaron a Robert Downey Jr en un símbolo de lo bajo que podía caer un actor. Hasta mediados de los dos mil, la idea de que pudiera lograr algún éxito, parecía absurda. El tiempo, dijo otra cosa.

¿Es posible “poseer” una película? ¿Hacerla parte de nuestra vida al punto de que nos “envolvemos” en ella? Esta es una historia de otro tiempo, sin streaming ni internet. Es la historia de un grupo de niños, luego adolescentes, más tarde adultos; cuya afición por “Indiana Jones” los llevó a filmar su propia versión de “Cazadores del arca perdida”. Una obsesión convertida en proyecto de vida, anclado a los recuerdos de la infancia.

En 1948, la revista “The New Yorker” publicó un polémico cuento de Shirley Jackson. La historia trata sobre una lotería que se desarrolla en un pequeño pueblo y cuyo “ganador” es apedreado hasta la muerte. Un ritual envuelto en un misterio horrible, un sacrificio humano que interrumpe la vida en un lugar idílico. “La Lotería” se convirtió en un clásico que inspiró películas como “Los Juegos del Hambre” o “La Purga”, entre otras.

Los artistas de Hollywood no saben de estrategia militar ni de recursos bélicos, pero sí fabricar ilusiones. En 1942, uno de los diseñadores de producción más destacados de la industria fue convocado por la Casa Blanca para llevar su arte a los esfuerzos de guerra. La misión era construir una ciudad falsa para “disfrazar” una enorme planta de Boeing y evitar que fuera detectada por pilotos japoneses. Esta es la historia de John Stewart Detlie, el “disfrazador” de ciudades.

Con la muerte del escritor Cormac McCarthy, para algunos críticos “se apagó uno de los últimos faros de la literatura norteamericana”. Sus libros inspiraron películas como “Sin lugar para los débiles”, “La carretera” o “El consejero”. Sin embargo, y pese al intento de muchos directores, la novela de McCarthy “Meridiano de Sangre” ha sido considerada “infilmable” por la industria hollywoodense. Al menos, hasta ahora.

El director Rainer Werner Fassbinder realizó más de 50 largometrajes, además de material para televisión y teatro. Algunas de sus películas están entre lo más hermoso que produjo el cine alemán en el siglo XX. Pero “hasta Fassbidner era mortal”. Vivió la experiencia y dejó la obra de diez vidas, marcadas por los excesos, la soledad y un demente ritmo de trabajo. Esta es su historia.

Fue parte de la camada de actores ochenteros que lucían mucho más jóvenes de lo que eran, pero esa misma fortuna luego le impidió encontrar roles frente a la cámara. Cuando ya daba todo por perdido, una decisión radical le permitió reencontrarse con el oficio que ama, y disfrutar de una segunda oportunidad que se gana día a día.

La escena comienza en una fábrica australiana. Ha sido un muy mal día en el rodaje de “Mad Max: más allá de la cúpula del trueno”. En una esquina, sentada en una silla, Tina Turner atiende a un reportero local: “he visto días peores” - le dice. Pero la artista no habla de la película, se refiere a los días oscuros de su matrimonio con Ike Turner. Esta es su historia.

“Frambuesas con azúcar” fue una teleserie juvenil portuguesa que se emitió entre 2003 y 2012. La producción se enfocaba en la vida de estudiantes secundarios, contaba con un elenco joven y carismático, tuvo cameos de figuras internacionales e incluso estuvo al centro de una leyenda urbana: la de una "peste" de rápida propagación.

Dos gemelas ginecólogas practican cuestionables procedimientos en mujeres infértiles. “Dead Ringers” es la nueva producción de Amazon, protagonizada por Rachel Weisz. La serie es una adaptación de la película de 1988 que elevó a Jeremy Irons a la fama mundial, basada en una novela, que a su vez fue inspirada por hechos reales. Se trata de una historia de enajenación, drogas y muerte: la historia de los hermanos Stewart y Cyril Marcus.

En abril de 2023 se cumplen 30 años de la muerte de Mario Moreno “Cantinflas”. Repudiado por la crítica, Moreno construyó un personaje que se ganó el cariño del público: un hombre de la calle cuya única riqueza es su verbo. Sin embargo, pocos conocen y recuerdan a su más cercano colaborador: Miguel Melitón Delgado. Esta es la historia del director de “Cantinflas”.

¿Recuerdas cuál es la película con el nombre más extraño que hayas visto? En este capítulo, Daniel Villalobos repasa algunos de los títulos de películas con traducciones más “singulares”. Cintas con nombres como “Tu madre se ha comido a mi perro” o “Bailad, bailad malditos”.

Inspirada en el personaje de la canción de Rubén Blades, "Pedro Navaja" (1984) bien podría calificar como uno de los grandes "freakeríos" del cine latinoamericano. Filmada en México y protagonizada por Andrés García, la película desagradó tanto al músico panameño que un año más tarde escribió una secuela de la canción: "Sorpresas". Pero la historia, no termina ahí...

En los 80, muchos soñaban que podían escapar de la vida que odiaban, bailando la música que amaban. Las películas creaban la ilusión de que sus protagonistas podían abstraerse de la realidad a través de un gran número de canto y baile. Así nacieron filmes como “Fiebre de sábado por la noche” o “Fama”. Y una de esas cintas, quizás de las más icónicas de aquella década, cumple 40 años en abril de 2023: “Flashdance”. Esta es su historia.

Inteligente, ambiciosa y culta. Desde el principio, la carrera fílmica de Eva Maria Kiesler en Europa estuvo asociada al escándalo. Rebautizada como Hedy Lamarr, llegó a Hollywood. Sin embargo, su pasión siempre fue la ciencia. Su trabajo inspiró tecnologías hoy tan comunes como el bluetooth, el gps y el wifi.

Hay canciones que se quedan grabadas en la memoria y que de manera implacable nos trasladan a un periodo de tiempo específico, o bien, a una película. Un buen ejemplo es “Bad Boys”, una pegajosa melodía reggae interpretada por “Inner circle”. Desde la intro del reality “Cops” hasta su hogar definitivo en “Dos policías rebeldes”, se convirtió en el himno de los chicos malos y transporte directo a los 90, esa década zombie que se resiste a morir.

Muchas veces asociamos películas a recuerdos de infancia. Imágenes que se vuelven difusas y que alimentan la memoria emotiva de momentos que no volverán. Son películas y momentos que se desvanecen con el tiempo, como un fantasma o como un eco de días que parecían durar para siempre.

Hay dos clases de fama en el cine: la que conocemos por el trabajo de actores y actrices en pantalla, y aquella que los artistas tienen dentro de la industria. La mala fama en Hollywood a veces es alimentada por rumores, otras veces por el ego de los artistas. Pero en algunos casos, las razones son confusas. Tal es el caso de Sean Young, una de las protagonistas de Blade Runner (1988). Aunque ella tiene un diagnóstico claro: “Si eres mujer, y estás dispuesta a defenderte a ti misma, algunos piensan que eres difícil”.

¿Cómo llegó "Prince" a componer canciones para “Batman”? ¿Por qué Warner no incluyó en el disco de la banda sonora la impresionante fanfarria orquestal de Dany Elfman? En este episodio, Daniel Villalobos viaja a 1989 para contar la historia de “las dos músicas de Batman”

“Nadie abandona Hollywood, Hollywood te abandona a ti”. Esa era la premisa y el cliché desde que los pioneros del cine mudo echaron a andar sus cámaras. Pero de vez en cuando, alguien dice no. Así lo hizo Kim Novak (“Vértigo”, 1958), una actriz que encarnó papeles extrañamente relacionados con su vida: mujeres forzadas a interpretar a otras. El trato desigual a hombres y mujeres fue uno de los factores que la llevó a alejarse de la industria, y buscar la felicidad.

"Los Fabelman", la nueva obra del aclamado director, es un testamento a su amor y dedicación al cine a lo largo de su vida. Pero también funciona como una exploración de un tema recurrente en la filmografía de Steven Spielberg, parcialmente inspirada por su propia vida: las relaciones familiares y el amor entre padres e hijos.

Una experiencia de niñez inspiró a David Cronenberg a filmar "Videodrome". El largometraje, estrenado hace 40 años, habla con pocas sutilezas sobre los riesgos de ver mucha televisión, en un tono que se siente actual dada nuestra hiperconexión a dispositivos y videos en todo el mundo. Y también, sobre la disociación que ello puede provocar en el espectador.

Inspirada por hechos reales, esta obra de Francisco Lombardi sirve como un retrato atemporal de los ritos que crean una masculinidad monstruosa. El regimiento que protagoniza la película tiene un contrincante, Sendero Luminoso, que siempre ataca fuera de escena; pero el verdadero enemigo está dentro, y no duda en ejercer su autoridad.

Es uno de los mejores guiones de los años 80 y una película hoy considerada de culto, cuyo final no es el que todo el mundo esperaría. Pero "Miracle Mile" es mucho más que el largometraje por el que luchó su director, Steve de Jarnatt: también es el lugar donde sus protagonistas comenzaron una larga amistad, que estrecharon mucho más durante la pandemia.

Una cadena de cines trae de vuelta una de las producciones animadas más importantes de este siglo. Una historia ambientada en tiempos de guerra, con magos y castillos; una obra de arte estrenada poco después de la invasión de Estados Unidos a Irak, conectada con el pacifismo y la crítica de Hayao Miyazaki, director de “El Castillo Ambulante”.

Por cada triunfo en la pantalla, hay decenas de fracasos que no conocemos. Un triste ejemplo es la historia de John Gavin: el 007 que no fue. A fines de los 60, cuando Sean Connery estaba decidido a abandonar la saga, la contratación de Gavin para el papel de James Bond estaba sellada. Bien parecido, tenía experiencia militar, era estadounidense pero capaz de fingir con éxito el acento británico. Todo iba bien, pero la historia tuvo un vuelco de última hora.

“Días extraños” (1995) bien podría ser la cinta de fin año “definitiva”. Es una película futurista que gira en torno a un traficante de recuerdos y una mujer misteriosa, que tienen en su poder una decisión que significaría el fin de todo. Pero a veces, como en año nuevo, el fin puede significar un reinicio.

A diferencia de los clásicos especiales de fin de año, “el hijo del hombre en coma” es un capítulo de la serie “Dr. House” en que la navidad se menciona una sola vez. Pese a sus trágicas circunstancias, el episodio contiene todos los elementos que conforman una buena historia navideña: árbol de pascua, noche buena, comidas soñadas y un regalo al final.

Todos los directores tienen tantos proyectos personales sin realizar, que a veces los guardan en el fondo de sus conciencias por décadas. Para Guillermo del Toro, uno de esos proyectos pendientes era “Pinocchio”, una adaptación que vio la luz en 2022, que tiene ecos y conexiones con varias de sus producciones anteriores.

Cuando todavía era un niño y ya triunfaba como cantante, los representantes de Luis Miguel manifestaron una preocupación: el niño pródigo estaba empezando a cambiar la voz. Eso podría significar el fin de su ascenso en la música o un peldaño más en su carrera. El siguiente paso fue llevar al joven intérprete a la gran pantalla: “Ya nunca más” y “Fiebre de amor” marcaron la negativa experiencia cinematográfica del “sol de México”.

“A la sombra del sol”, de Silvio Caiozzi y Pablo Perelman, fue una de las primeras películas chilenas estrenadas en salas de cine tras el golpe militar. Después de la función del 28 de noviembre de 1974, el equipo de filmación partió a celebrar el hito. Cuando volvían a casa después de la fiesta, la continuista Carmen Bueno y el camarógrafo Jorge Müller fueron detenidos por agentes de la DINA. Sus familias nunca más los vieron con vida. En su memoria, cada 29 de noviembre se conmemora el “Día del Cine Chileno”.

Hay cintas que pasan a formar parte de nuestras vidas, películas que vemos una y otra vez. Pero existe un récord sorprendente. Myra Franklin, una mujer de Cardiff en Gales, vio “La Novicia Rebelde” más de 900 veces en el cine. ¿Por qué lo hizo? Esta es su historia.

Dirigida por Vilgot Sjöman, la película sueca “Soy curiosa (amarillo)” sigue las andanzas de una estudiante de teatro fascinada por ideas radicales sobre la sociedad. La cinta, provocadora y con escenas sexuales desenfadadas, generó escándalo a fines de los 60 e incluso fue prohibida en varias ciudades de los Estados Unidos. Pero una de las historias más llamativas en torno a la producción, ocurrió a la salida de una función en un cine neoyorquino, y terminó con Jackie Onassis (viuda de John Kennedy) derribando a un paparazzi en la vía pública.

Un canal exclusivo para la televisión por cable, con películas originales y eventos deportivos sin comerciales; llevar al living de los suscriptores el equivalente a una sala de cine. Esa era la promesa del ejecutivo Charles Dolan cuando ideó el concepto del “canal verde”, luego conocido como “Home Box Office TV”. En este episodio, Daniel Villalobos repasa los 50 años de historia de HBO.

James Cameron ha enfrentado una y otra vez la acusación más “fea” que se puede hacer a un artista. Lo han acusado de plagio en distintos niveles y en varias de sus producciones más exitosas: Desde “Mentiras Verdaderas”, “Avatar”, y hasta “Titanic”. Pero uno de los casos más recordados está en el origen de la carrera del director: La disputa con el escritor y guionista Harlan Ellison, por “Terminator”.

Una familia llega a su nueva casa. Rodeados de cajas, se sientan a comer pizza o comida china. Puede ser una construcción antigua o un departamento cochambroso, pero para esa familia es su casa nueva. Sin embargo, a la hora de ir a dormir se desatan los demonios que se esconden entre las habitaciones. En este episodio, Daniel Villalobos repasa algunas de las producciones más brillantes sobre casas embrujadas y acechadas.

No hay mejor mes en el año que octubre para rendir honores al cine de terror. Si bien el género en Latinoamérica ha tenido una suerte errática, escarbando se puede llegar a verdaderas joyas como “veneno para las hadas” (1984), del mexicano Carlos Enrique Taboada.

En 2022, se cumplen 60 años de la crisis de los misiles, un episodio dramático de la historia del que el cine se hizo cargo en distintos tonos. Desde el drama, a la comedia negra. Desde “Yo vivo en el terror”, hasta “Godzilla”. Desde Kurosawa a Kubrick. Decenas de películas llevaron a la pantalla el temor a la bomba y las consecuencias de un holocausto nuclear.

Algunas de sus películas hoy son consideradas de culto, pero no fueron éxitos de taquilla ni de crítica al momento de su estreno. Decepciones que llevaron a John Carpenter a trabajar en una compañía de menor tamaño y presupuesto, pero que le entregaría total control y libertad sobre sus proyectos. Así nació "El príncipe de las tinieblas", largometraje de terror estrenado en 1987, usualmente muy difícil de conseguir, pero que durante octubre está disponible online en la plataforma Mubi.

Ni Lynda Carter, ni Gal Gadot. Una poco conocida actriz y ex tenista fue la primera en interpretar el rol de Diana Prince ante una cámara. Aunque aprobada por los creadores del cómic, esta versión mostraba a la princesa de las Amazonas como una blonda agente gubernamental sin superpoderes. La experiencia, eso sí, resultó exitosa para el villano de la producción, que aprovechó esta vitrina para lograr el rol más importante de su carrera.

Hay películas que nacen de la cabeza de un productor, del computador de un guionista, o de la ambición actoral de una estrella. Derivan de libros, historietas, canciones o poemas. Pero hay cintas que tienen más de una fuente. Una de ellas es “300”. Dirigida por Zach Snyder, “300” está basada en un comic, que a su vez se basa en una película de los años 60, que a su vez se inspira en una batalla perdida en el tiempo. Esta es su historia.

El cine es un mentiroso irresistible. En sus orígenes, prometía poesía, vuelo y nuevos mundos. Pero tardó “cinco minutos” en traicionarnos. Pronto se rebeló como una industria interesada en nada más que en la repetición, el producto en serie y la explotación de los clichés. Esa era la visión de Jean-Luc Godard. Sin embargo, también entendía que aunque la vida es corta, puede ser inmensamente dulce. Y Godard recibió la “marca en la frente” de quienes viven la vida dulce dentro de la enorme casa de las imágenes que es el cine.

Hay algo mágico en la idea de ver de cerca a un ser humano cuya voluntad es ley. Por eso, desde siempre, la realeza ha fascinado al cine. La costumbre – o el cliché – es presentar una imagen de los pasillos del poder, de carácter solmene y a ratos siniestra. Pero también existen producciones extrañas, como “El Rey Ralph” (1991), protagonizada por John Goodman.

Las publicaciones en papel que comentaban o informaban sobre los estrenos en Chile, se fundaron casi en paralelo a la aparición de las primeras salas de cine. Pero en los años 50, los cineclubes cambiaron el paradigma y se transformaron en caldo de cultivo para la creación de recordadas revistas, como “Primer Plano” y “Enfoque”. Aquí su historia… La historia de una época casi olvidada.

Overland Park, Kansas. Una cálida noche del verano de 1983, en el Gleenwood Theater terminaba la última función del día. La película en exhibición era “El Regreso del Jedi”. John J. Smith, empleado del cine, cerró la cabina de proyección y salió al estacionamiento. Allí, un joven a cara descubierta lo interceptó con un revolver de alto calibre para cometer un insólito robo: El robo del Jedi.

La adicción a la buena mesa y los vinos caros, le pasaron la cuenta a Alfred Hitchcock. Pese a su deteriorado estado de salud, hasta el final de su carrera, el director estuvo obsesionado con llevar a la pantalla un thriller de espionaje basado en la novela “La noche breve”. Sin embargo, en el verano del 79 y con lágrimas en sus ojos, confesó a su asistente: “Ya no soy capaz de seguir, no voy a hacer esta película, ni ninguna otra”. Murió en 1980.

Lejos de las fiestas de alta alcurnia, de smokings y martinis, al creador de James Bond le disgustaban las reuniones sociales sofisticadas. Ian Fleming prefería leer o escribir, y así nacieron las populares novelas del súper espía. Sin embargo, el camino para llevar a Bond al cine fue duro y estuvo lleno de tropiezos.

Un documental grabado a fines de 1983 y estrenado al año siguiente, pero que parece tomado desde otra década. "Stop Making Sense" registra tres conciertos de Talking Heads en Hollywood, con decisiones que van contra la corriente de su época en lo estético y en lo fílmico. Y con una banda en su punto más alto de presentaciones en vivo, en la que sería su última gira.

Además de cuentos y novelas, Ruth Prawer escribió 23 guiones y adaptaciones para el cine. Casi todos fueron filmados por James Ivory y producidos por Ismail Merchant. El trío cambió el concepto de drama de época que se tenía en el cine de habla inglesa, con trabajos como “The householders” (1963), “Un amor en Florencia” (1985) o “Lo que queda del día” (1993). Ruth Prawer Jhabvala fue la cara menos visible del trío. Esta es su historia.

En la Italia de posguerra, surge una generación de cineastas que, con ingenio y poco presupuesto, contaron historias de hambre, urgencia y desesperación. Un grupo de hombres que, a través del neorrealismo, dieron al mundo una nueva manera de hacer cine. Y entre ellos, una mujer legendaria: Suso Cecchi D´Amico.

Comenzó su carrera como asistente y correctora de libretos en 1914. Bajo la tutela de la directora Lois Weber, y gracias a su pluma, Frances Marion se convirtió en referente y figura del cine estadounidense. Su maestría estaba en inventar historias con grandes finales y a medida de las estrellas de la gran pantalla. Se estima que Marion estuvo detrás de más de 300 guiones hollywoodenses.

Comenzó su carrera cinematográfica escribiendo guiones, pero su talento, curiosidad y atención al detalle la convirtieron en una de las ejecutivas con más poder y mejor pagadas de la industria. Su influencia llega hasta la actualidad, con roles de producción creados por ella, y con guiones que replican la forma en que ella, hace un siglo, anotaba información sobre la escena y la disposición de las cámaras. Y en su descanso eterno comparte espacio con su protegido y gran amigo, el mítico Rodolfo Valentino.

La novela de Jenaro Prieto, publicada en 1928, cuenta con seis adaptaciones al cine, realizadas en lugares tan distintos como Inglaterra, México o Estados Unidos. Con distintos niveles de cercanía al texto original, la trama ha concitado a figuras de la pantalla grande como Hugo del Carril y Whoopi Goldberg. Pero más allá de los cambios al guion, la historia da cuenta de una característica permanente de la chilenidad.

El gran tema en el cine de los hermanos Coen es el destino, la manera en que intentamos torcerlo y la implacable manera en que nos tuerce la mano de vuelta. Una de sus películas más representativas es “el hombre que nunca estuvo”. Cuenta la historia de Ed Crane, un barbero retraído que esconde lo que piensa y siente tras una cortina de silencio y humo de cigarrillos. La infidelidad de su esposa y un negocio prometedor lo llevan a urdir un plan que lo sacará de su apatía.

El asesinato de su padre y la repentina muerte de su hermana, llevaron a Maurice LaMarche a abandonar la comedia y los escenarios. Sin embargo, la tragedia daría paso a una brillante carrera como actor de voz. Su trabajo es reconocible en series animadas como “El Inspector Gadget”, “Pinky y Cerebro” o “Rick and Morty”, y en producciones como “Ed Wood” o “Love, death and robots”. Entre otras cosas, LaMarche hizo fama en series y películas por su memorable imitación de Orson Welles.

El cine “b” fue el cine de los bordes. Un espacio de enorme vitalidad que albergó a los primeros maestros de géneros como la ciencia ficción o el terror gótico. Dio espacio a actores y actrices que venían “a la baja” o iniciaban sus carreras. Fue un espacio para el juego y la experimentación, y también refugio para los perseguidos. Uno de ellos, Irving Lerner – desde “el borde de los bordes” – terminaría dirigiendo una de las obras maestras del Film Noir: “Asesinato por contrato” (1958).

En los años 80, todo lo que se veía en el cine hollywoodense parecía sacado de otro mundo. Los personajes levantaban el teléfono y pedían una pizza, las habitaciones infantiles eran laberintos de juguetes e historietas, las familias desayunaban juntas,… Los niños de los 80 fueron testigos de la enorme distancia entre su realidad y la que se revelaba frente a sus ojos en la pantalla. Pero todo era una fantasía.

En tierra, en el mar o en el aire. Bajo el sol, la lluvia o la nieve. La fascinación por el cine ha llevado a instalar salas en los lugares más recónditos e inesperados del planeta. En iglesias, cárceles, barcos, aeropuertos, casinos, salones de ping pong,.. No importa el lugar, ni las condiciones: siempre habrá gente que se reúna para ver las películas que soñaron sus antepasados.

Se conocieron estudiando actuación, y juntos formaron una familia y una marca en la historia del cine. Aceptando diversos roles que les permitieran financiar su actividad independiente, Rowlands y Cassavetes lograron plasmar en la pantalla grande una nueva mirada sobre la vida de pareja, dando origen a las películas de fuga: cuando la relación ya no funciona, cuando la rutina se vuelve agobiante, el camino es huir.

Ni superhéroes, ni niños magos, ni hobbits. La saga más larga de la historia del cine tiene su origen en Asia y está basada en una persona real. Su protagonista es un artista marcial, que derrotaba a sus rivales y luego curaba sus dolencias. La presencia de Wong Fei Hung en el cine se arrastró por décadas y sigue estando presente en la cultura popular. Después de todo, la pantalla es el único lugar donde los héroes viven por siempre.